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Gilles Servat et ses musiciens souhaitent surprendre le public avec cet enregistrement sincère et généreux qui a pour objectif d'émouvoir sa fidèle audience et d'en séduire une nouvelle, y compris par une nouvelle tournée. 3 inédits et 8 reprises complètement réarrangées pour trio classique ! Ce nouvel album marque un renouvellement étonnant dans la carrière de Gilles Servat qui impressionne toujours autant après 50 ans de scène. Cette fois, il explore un nouveau territoire, toujours dans la chanson française, mais dans un style néoclassique. La poésie des mots trouve un nouvel éclat dans les arrangements très impressionnistes de Mathilde Chevrel, qui servent au mieux la douceur ou la force des émotions. Gilles Servat, l'un des chanteurs bretons les plus emblématiques de la scène francophone, se réinvente en quatuor classique avec sa voix grave et timbrée. Poète de tous les combats depuis plus de cinquante ans, il s'empare de sujets d'aujourd'hui comme l'environnement.

Le plus grand groupe africain contemporain

Afrocubism concrétise l'idée originale du Buena Vista Social Club : un retour aux sources entre Cuba et le Mali.

"Alwane" dont chacun des 13 titres est une escale singulière explore les rythmes du grand désert algérien ( Diwane, Ahellil ou Gouaril), teinté de blues, à la rencontre d'un héritage musical et spirituel fascinant qui prend ses racines en Afrique noire pour s'épanouir au Maghreb. "Alwane", qui signifie les couleurs en arabe, en donne une vision contemporaine à travers des compositions et des arrangements originaux où la complexité rythmique des percussions et du Guimbri (basse traditionnelle des gnawa) s'associe à la fougue et l'énergie des guitares pour mener à une inexorable transe. D'illustres invités ont collaboré au disque dont le batteur de renom Karim Ziad et le bassiste Youcef Boukella fondateur de l'Orchestre National de Barbes.

Généreux, brut et électrique : les rois du blues du désert présentent leur nouvel nouvel album aux frontières du blues, du rock et de musique traditionnelle touareg ! Les portes étendards de la cause touareg reviennent avec un neuvième album. Un retour aux sources pour ce groupe nomade, composant ce dernier dans un studio d'enregistrement mobile au coeur des dunes mauritaniennes aux côtés de Noura Mint Seymali, posant leurs guitares sous les étoiles du Sahara. Un album riche toujours engagé politiquement mais traitant de sujets sociétaux nouveaux tels que le réchauffement climatique, et notamment son impact sur leur terre natale qu'est le Mali. Ayant acquis au fil des albums une notoriété internationale désormais incontestable, le groupe collabore de nouveaux avec des invités prestigieux : le violoncelliste Warren Ellis (Nick Cave & The Bad Seeds), Cass Mccombs, Rodolphe Burger ou encore Micah Nelson (Neil Young). Un documentaire réalisé par Celidja Pornon pour La Blogothèque retracera ce processus créatif unique.

Ann O'aro aime tout ce qui touche au mouvement du corps, des rythmes et de la voix : "Je viens des arts martiaux et de la musique, avant de choisir le maloya pour chanter sur des sujets intimes et tabous". Son écriture sauvage s'imprègne des langages accidentés ou des tics langagiers : une fulmination poétique branchée sur les tabous insulaires et les émotions fortes, la violence sexuelle, l'inceste et les passions amoureuses. Comme dans "Kap Kap", une de ses chansons écrite dans le créole de la Réunion, son île natale. Un fonnkér cru et cinglant qui décrit l'étreinte d'un père incestueux, qui embrasse la folie et la violence d'une pulsion criminelle dans toute sa banale sauvagerie : "Amoin, marmay, bonom, lo lou, tousala ansanm, mi mor pour rash aou in kri, kan mœm sa pal amour / Moi l'enfant, l'homme, le loup, tout à la fois, je meurs de t'arracher un cri, à coup de griffes, à coup de queue, mœme si ce n'est pas un cri d'amour". Et le chant d'Ann jaillit, un chant qui plonge dans la réalité et n'a pas peur des ombres.

Né de la rencontre entre la chanteuse franco-syrienne Climène Zarkan et le guitariste Baptiste Ferrandis, Sarab - mirage en arabe - est un édifice musical qui combine rock, jazz moderne et musiques traditionnelles arabes qui se joue des frontières et des genres. Le duo s'est vite transformé en une créature à six têtes, où chacun.e est devenu.e indispensable à la création musicale. Le trombone de Robinson Khoury se lie avec la voix, et navigue entre les gammes orientales et européennes, entre les ornementations et une technique personnelle. C'est avec le trombone et le chant que l'on retrouve l'horizontalité de la musique arabe, chamboulée par la verticalité harmonique riche de la guitare et du piano. Sarab joue entre la tradition et la musique d'aujourd'hui. Leurs premiers morceaux, arrangés, très écrits tournent autour de l'amour, ce sujet qui lie la planète entière. Une fenêtre particulière s'ouvre Tiri une chanson sur le poème de Mahmud Darwich, poète palestinien qui parle de liberté. Cette fenêtre ouverte va amener l'envie d'écrire sur d'autres thèmes importants et engagés, tels que la question du rapport à l'autre -de la peur de l'étranger-, du féminisme, de l'état actuel de la terre et du futur.

Daba (Maintenant) : Les réalités d'aujourd'hui exprimées dans les textes poétiques et poignants de Oum. Après Soul of Morocco en 2013 et Zarabi en 2015, avec ce troisième disque Daba, Oum franchit un nouveau cap. Elle se rend avec ses musiciens à Berlin afin de réaliser un disque à la fois atmosphérique et dansant, dont la direction artistique a été confiée à la poétesse, chanteuse et oudiste palestinienne Kamilya Jubran. L'orchestration de Daba demeure globalement acoustique, mais quelques sons électroniques habillent pour la 1ère fois les chansons, comme pour évoquer par échos des problématiques plus contemporaines traitées dans les paroles de l'album ; la nature menacée, le sort réservé aux migrants, le statut des femmes, mais aussi une exhortation de vivre pleinement dans le présent. Oum se positionne ainsi comme une Marocaine, une Africaine et une femme du monde convaincue que les barrières culturelles pèsent moins que ce qui peut nous rassembler.

A ma droite, Cheveu, un trio français qui ne cesse de bousculer les oeillères en inventant une bande-son aux limites de bien des genres. A ma gauche, Group Doueh, un combo saharien qui enjambe les frontières des styles, en percutant la tradition de trouvailles inédites. Au centre des enjeux, un soundclash entre deux univers situés à des années-lumière dans la galaxie musicale. Deux arts de vivre la musique au quotidien, deux manières de transmettre, deux façons d'enchanter, ou non, le monde, deux rapports au répertoire, à la tradition, à la création, deux visions du collectif, la liste est longue de ce qui pouvait a priori faire qu'ils ne se rencontrent jamais, qu'ils ne s'entendent pas. Ce disque, c'était comme un défi un peu surréaliste, une mission quasi-impossible, où le temps allait compter. Résultat : un big bang tellurique, une création atomique, une histoire d'énergies "primitives" qui remet les pendules à l'heure du Tout-Monde. Entendez deux entendements du temps si différents. Retour vers le futur à l'imparfait du subjectif.

C'est la première fois que Djelimady Tounkara propose un projet entièrement instrumental, avec des couleurs différentes de ses précédents albums, qui met en valeur toutes ses qualités stylistiques et ses talents de guitariste, d’improvisateur et de compositeur. Enregistré à Bamako au Studio Yéleen avec les jeunes musiciens qui constituent ce groupe et qui l’accompagnent en tournées ; Djely blues est son disque le plus personnel, le plus original et le plus accompli.